Le corps est fabriqué avec des lamelles de bois, bien que des modèles en métal ou en aluminium existent. Bien entendu, les sonorités produites sont différentes pour ces variantes métalliques, caractérisées par un volume plus élevé comparé à celui des autres. Certains fabricants équipent le matériel sonore d’une housse en velours afin d’atténuer le son métallique.

Traditionnellement, le bois utilisé lors de la confection du corps de ce genre de luth turc provient d’arbres comme l’érable, l’orme, l’acajou ou encore le platane. Les peaux de chèvre, de chevreau, de chameau ou de buffle sont privilégiées en vue de créer sa table d’harmonie. Sur certains exemplaires, les luthiers préfèrent le bois pour cette partie de l’instrument. De ce choix résulte une sonorité intermédiaire entre le son d’un violoncelle et celui d’un tambour. 

Histoire 

L’invention du tambour yaylı date du début des années 1900 par le compositeur turc Tambouri Djémil Bey. Ce dernier voulait un son plus grave que celui d’un violoncelle, et avait mené quelques essais sur des instruments existants. Il obtint une sonorité triste avec son kamânche en soulevant les cordes graves, entre autres modifications. Satisfait de sa découverte, le virtuose a joué plusieurs fois avec son invention, qui a fasciné plus d’un à l’époque.

Fonctionnement du tambour yaylı

Le yaylı tambur est reconnaissable à la disposition de ses frettes, placées en micro-intervalles. Ces derniers correspondent à un intervalle musical dont la note n’apparaît pas sur la notation ou le clavier. Autrement dit, ils donnent l’occasion de jouer des tons entre les notes d’une gamme classique (occidentale). Un micro-intervalle est plus petit qu’un demi-ton.

En raison de sa tessiture de deux octaves et demie, ce tambour à cordes pincées est considéré comme l’objet musical ayant une sonorité la plus proche de la gamme vocale des humains. Cette caractéristique est propre à la musique turque.

Pour jouer du tambour yaylı, le musicien dispose l’instrument à la verticale, soit sur ses genoux, soit entre ses mollets. Ainsi, l’exécutant bénéficie d’une meilleure stabilité. L’archet utilisé en vue de frotter les cordes est semblable à celui du violoncelle. Il est primordial de garder le manche perpendiculaire au sol. 

Ensuite, l’instrumentiste appuie sur le crin avec son auriculaire, en tenant l’arc fermement avec son majeur et son annulaire. Les doigts restants, le pouce et l’index, sont positionnés sur le bord éloigné de l’archet. Afin de produire des sons harmonieux, le musicien joue au niveau de la zone de la double corde, c’est-à-dire le point où se croisent les deux cordes inférieures situées à gauche. Ces dernières sont positionnées à environ deux millimètres plus haut que les autres fils situés à la même hauteur.

Le son peut aussi être produit en appuyant sur les parties non frettées. De plus, les frettes sont mobiles, donnant ainsi la possibilité de les ajuster en fonction du style et des envies.